noviembre 2010

domingo, 21 de noviembre de 2010

La reina de los dobles sentidos: 30 años sin Mae


Mary Jane West nació el 17 de agosto de 1893 en Brooklyn, Nueva York . Pronto encaminó sus pasos hacia el show-business, mundo del espectáculo en los que sus padres ya estaban inmersos. Cuando apareció a los catorce años en la escena teatral no ocultaba su vocación por convertirse en una fatal vampiresa, siendo denominada por esa época "The Baby Vamp".
Mae West trabajó en Broadway presentando "Sex", una obra escrita, producida y dirigida por ella misma que acabó en prisión debido a su contenido presuntamente obsceno. Su siguiente representación teatral, "Drag", no pudo llevarse a cabo en la meca del teatro estadounidense debido a que abordaba el tema tabú de la homosexualidad. 
Su debut en el cine vino provocado por su triunfo comercial en Broadway con la representación de "Diamond Lil", obra que estrenó en 1928.
Cuatro años más tarde intervino por primera vez en la película "Noche tras noche" . Lo más destacado del film eran las simpáticas apariciones de Mae (actriz secundaria en ese momento), llenas de chispa y picardía.
Tras esta película Mae West conseguiría convertirse en una gran comediante con un humor muy característico que le concedería el rango de megaestrella, gracias una adaptación de su éxito "Diamond Lil" a la que tituló "Lady Lou" (1933), una magnífica película llena de brillantes diálogos en la que aparecía su nuevo partenaire profesional, un intérprete poco conocido en aquellos momentos llamado Cary Grant.
El film consiguió ser nominado al premio Oscar, ganando la estatuilla la película "Cabalgata".


Mae se había fijado en Cary cuando éste andaba paseando por los estudios Paramount en un descanso de la grabación de "Madame Butterfly".
La actriz se le quedó mirando mientras Cary pasaba a su lado y le preguntó a uno de los jefazos de la compañía, Emanuel Cohen, "¿Quién es ese?". "¿Ese?....Ah, Cary Grant: Está rodando Madame Butterfly", respondió Cohen. "Por mí como si rueda Blancanieves. Si sabe hablar, me lo quedo".
Así es como Cary Grant lanzó su carrera al lado de West (con la que mantendría una duradera amistad) como protagonista principal.

Ese mismo año volvió con Grant (tristemente su última colaboración) para protagonizar "No soy ningún ángel" (1933), otro extraordinario título típico de Mae West que por supuesto estaba escrito por ella misma, destacando por sus insinuaciones y agudos diálogos.
Mae se convirtió en uno de los personajes cinematográficos más populares de todo Hollywood y en la actriz mejor pagada de la época.
Títulos como "Belle of the nineties" (1934) de Leo McCarey, "Goin' to town" (1935) de Alexander Hall, "Go west, young man" (1936) de Henry Hathaway, "Klondike Annie" (1936) de Raoul Walsh, o "Every day's a holiday" (1937) fueron algunos de sus mejores trabajos posteriores en el decenio. Todos ellos con guión de la gran Mae, y todos ellos (o casi) con problemas con el código Hays.

Intervino en dos películas más en los años 40, "My little chickadee" (1940), un film co-protagonizado por otro de los populares nombres de la comedia americana, W.C. Fields, y "The Heat's on" (1943), título en el cual aparecía Xavier Cugat. Estos títulos resultaron ser películas inferiores a sus primeros trabajos.
Mae se despidió del cine hasta los años 70 cuando el código Hays en Hollywood ya no existía. Su regreso se produjo con "Myra Breckinridge" (1970), un film en el que también aparecía Raquel Welch.
Su última película, basada en una obra de la propia West, fue "Sextette" (1978), una cinta fallida co-protagonizada por Tony Curtis y por un reparto muy curioso en el que aparecían varios músicos, Ringo Starr (The Beatles), Keith Moon (The Who) o Alice Cooper.
Dos años después, la única e irrepetible Mae West dejó de existir el 22 de noviembre de 1980. Tenía 87 años y había estado casada en una sólo ocasión con Frank Wallace, con quien estuvo unida desde 1911 hasta 1942.

sábado, 20 de noviembre de 2010

And the Oscar goes to...

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La figura del Oscar representa a un caballero armado con una espada que aguarda de pie sobre un rollo de película con cinco radios. Cada radio simboliza una de las cinco ramas originales de la Academia: actores, guionistas, directores, productores y técnicos.

Creada en 1928, esta estatuilla fue diseñada por Cedric Gibbons, director artístico de Metro Goldwyn Meyer, aunque fue el artista George Stanley quien la esculpió.

Oscar mide poco más de 34 centímetros y pesa unos cuatro kilos. Siempre ha mantenido el mismo diseño, aunque ha sufrido algún cambio a lo largo de su historia. De entrada, el material con el que se fabrica: en sus orígenes, la estatuilla era de bronce macizo bañado en oro, pero poco después pasó a elaborarse en una aleación que permitía darle un acabado pulido.

Todos conocemos a los actores, actrices, directores, guionistas... que ganaron un Oscar, pero también hay que destacar a las grandes actrices que nunca recibieron un Oscar: 

1. Barbara Stanwyck

Su nombre real era Ruby Catherine Stevens. La menor de cinco hermanos, su madre murió cuando ella era muy niña y su padre la abandonó poco después, y creció acogida en varias familias.


Barbara Stanwyck
El mayor éxito de su carrera le llegó en el año 1944, con la película Double Indemnity, titulada en España Perdición, dirigida por Billy Wilder, e interpretada también por Fred MacMurray y Edward G. Robinson. Con un guión de Raymond Chandler, basado en una novela de James Cain, la película es una de las grandes obras maestras del cine negro, y ella interpretó el papel de mujer manipuladora, insensible y malvada. Su papel de "Phyllis Dietrichson", es probablemente el modelo en el que se han basado para definir el estereotipo cinematográfico de mujer fatal. Su magnífica interpretación le valió su tercera nominación al Óscar, pero tampoco se lo llevó ya que era el año en que Ingrid Bergman lo ganó por Luz que agoniza.

4 nominaciones (1 Honorary Award)

1. Best Actress in a Leading Role - Sorry, Wrong Number (1948)
Perdió contra: Jane Wyman - Johnny Belinda (1948)

2. Best Actress in a Leading Role - Double Indemnity (1944)
Perdió contra: Ingrid Bergman - Gaslight (1944)

3. Best Actress in a Leading Role - Ball of Fire (1941)
Perdió contra: Joan Fontaine - Suspicion (1941)

4. Best Actress in a Leading Role - Stella Dallas (1937)
Perdió contra: Luise Rainer - The Good Earth (1937)

2. Greta Garbo

Greta Garbo
Fue conocida con los apodos de «La divina» y «La mujer que no ríe» debido al rictus serio de su rostro, sólo interrumpido en una escena de su memorable filme Ninotchka donde suelta sorpresivamente una carcajada. Esta excepción hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular «La Garbo ríe».

En la cúspide de su popularidad, Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un departamento en Nueva York cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos. No acudía a fiestas ni a ningún acto público; incluso cuando le ofrecieron un Óscar Honorífico, lo rechazó. Su última entrevista fue tan breve como sorprendente: el periodista empezó diciendo «Yo me pregunto...» y ella le interrumpió y se marchó diciendo «¿Por qué preguntarse?».

4 nominaciones (1 Honorary Award)

1. Best Actress in a Leading Role - Ninotchka (1939)
Perdió contra: Vivien Leigh - Gone with the Wind

2. Best Actress in a Leading Role - Camille (1936)
Perdió contra: Luise Rainer - The Good Earth (1937)

3. Best Actress in a Leading Role - Anna Christie (1930)
Perdió contra: Norma Shearer - The Divorcee (1930)

4. Best Actress in a Leading Role - Romance (1930)
Perdió contra: Norma Shearer - The Divorcee (1930)

3. Judy Garland


Judy Gerland
Nacida el 10 de junio de 1922 en Grand Rapids (Minesota), Frances Ethel Gumm (su nombre real).Un productor le aconsejó cambiar su nombre por el de Judy Garland. A mediados de los 30, su madre la llevó a Hollywood, para presentarla a los castings de los grandes estudios. Por su evidente talento, pronto consiguió fichar por MGM. Debutó con un papel destacado en Locuras de estudiantes. Tras Melodías de Broadway, trabaja por primera vez con Mickey Rooney, en Andrés Harvey se enamora. Pero la película que convertiría a Judy Garland en una estrella es El mago de Oz, donde interpretaba a Dorothy, la chica de Kansas a la que un ciclón trasladaba al país de Oz. Por este papel, Judy Garland ganó el Oscar a la mejor actriz juvenil. Además, cantaba su tema musical más recordado: `Over the Rainbow´.

 2 nominaciones (1 Juvenile Award)

1. Best Actress in a Supporting Role - Judgment at Nuremberg (1961)
Perdió contra: Rita Moreno - West Side Story (1961)

2. Best Actress in a Leading Role - A Star Is Born (1954)
Perdió contra: Grace Kelly - The Country Girl (1954)

4. Marilyn Monroe

Marilyn Monroe
Interpretó el papel principal en las comedias Cómo casarse con un millonario (1953), The Seven Year Itch (1955) y Bus Stop (1956), y gracias al éxito taquillero de estas películas, desde entonces comenzó a ser considerada como una de las actrices más rentables de la industria cinematográfica. Su mayor éxito comercial fue Some Like it Hot (1959), filme por el que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.

Marilyn Monroe nunca fue nominada y por tanto, nunca ganó el Oscar.


5. Deborah Kerr

Debora Kerr
Deborah Jane Kerr-Trimmer nació en Helensburg, un pequeña población escocesa, el 30 de septiembre de 1921. Su padre era un militar que sufría las consecuencias de las heridas ocasionadas durante la Primera Guerra Mundial. Siendo una joven tímida, descubrió la interpretación como un medio para expresarse. Su tía, que era profesora de actuación, le consiguió algunos papeles en obras teatrales mientras era aún adolescente.
La actriz empezó a demostrar su enorme talento para papeles dramáticos ricos.  Alternó toda clase de papeles en películas tan destacadas como Julio César ,Vivir un gran amor , El rey y yo , Té y simpatía , Sólo Dios lo sabe en una de sus mejores interpretaciones al lado de Robert Mitchum; la inolvidable Tú y yo  en compañía de un Cary Grant inmenso, con el que formó una de las mejores parejas cinematográficas que se recuerdan.
6 nominaciones (1 Honorary Award)

1. Best Actress in a Leading Role - The Sundowners (1960)
Perdió contra: Elizabeth Taylor - BUtterfield 8: (1960)

2. Best Actress in a Leading Role - Separate Tables (1958)
Perdió contra: Susan Hayward - I Want to Live! (1958)

3. Best Actress in a Leading Role - Heaven Knows, Mr. Allison (1957)
Lost to: Joanne Woodward - The Three Faces of Eve (1957)

4. Best Actress in a Leading Role - The King and I (1956)
Lost to: Ingrid Bergman - Anastasia (1956)

5. Best Actress in a Leading Role - From Here to Eternity (1953)
Perdió contra: Audrey Hepburn - Roman Holiday (1953)

6. Best Actress in a Leading Role - Edward, My Son (1949)
Perdió contra: Olivia de Havilland - The Heiress (1949)

6. Marlene Dietrich

Marlene Dietrich
Marie Magdalene Dietrich, llamada Marlene Dietrich (Berlín, 27 de diciembre de 1901 – París, 6 de mayo de 1992), fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense. Es considerada como uno de los principales Mitos del Séptimo Arte y también como la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos por el American Film Institute.


Dietrich nunca se integró realmente en la industria del ocio de Hollywood, siendo siempre independiente del gusto general en su país de adopción. Su fuerte acento alemán dio un toque extra a sus interpretaciones, pero la etiquetó como "extranjera" a los ojos de los norteamericanos.
Fue además un icono de la moda para los altos diseñadores así como para las estrellas que la sucedieron. Popularizó, entre otras prendas, el uso de pantalones, lo cual, junto con su imagen pública y las insinuaciones de bisexualidad en alguna de sus películas, contribuyó a menudo a crear fuertes rumores, nunca confirmados por ella, sobre su vida sentimental.

 1 nominacion

1. Best Actress in a Leading Role - Morocco (1930)
Perdió contra: Marie Dressler - Min and Bill (1930)

7. Carole Lombard


Carole Lombard
Nació como Jane Alice Peters, en una familia de la alta sociedad. Sus padres se divorciaron en 1916 y su madre se llevó a la familia al oeste. Decidió establecerse en el área de Los Ángeles, California.
En 1936, Carole recibió su única nominación para el Oscar a la mejor actriz por “Al servicio de las damas” (My man Godfrey, 1936). Carole estuvo excelente en el papel de Irene Bullock. Desafortunadamente, el premio fue para Luise Ranier por “El Gran Ziegfeld” que también ganó por Mejor Película. Al servicio de las damas fue todo un exitazo, probablemente la película más vista en la primera mitad de los años 1930.Su última película “Ser o no ser” (To be or not to be), dirigida por Ernest Lubitsch.
Murió en una accidente aéreo en 1942.

 1 nomination

1. Best Actress in a Leading Role - My Man Godfrey (1936)
Perdió contra: Luise Rainer - The Great Ziegfeld (1936)

8. Rita Hayworth.

Margarita Carmen Cansino (Nueva York, 17 de octubre de 1918 ., 14 de mayo de 1987), mejor conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, es considerada como una de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Rita Hayworth
Su fama como mito erótico se consolidó con Gilda , una de las grandes películas del cine negro, en la que tan sólo con un brevísimo, pero sugerente strip-tease, y la recepción de una bofetada consiguió récords de taquilla en todo el mundo. Dicha bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine, y fue propinada por su pareja en el film, Glenn Ford, en respuesta a la que Hayworth le había dado momentos antes.
La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente peligrosa" por la Iglesia Católica, debido a su strip-tease insinuante, en la famosa escena donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Rita nunca fue nominada a los Oscar.

9. Lauren Bacall


Lauren Bacall
Se casó con Humphrey Bogart, ya divorciado y de 45 años de edad, en 1945, teniendo Lauren apenas 20 años de edad, y siguió a su lado hasta la muerte del actor en 1957 debido al cáncer. La relación comenzó entre bambalinas estableciéndose una gran afinidad entre ambos actores y 18 meses después ya eran esposos.

La primera película de Bacall fue en 1944: Tener y no tener (To Have and Have Not), de Howard Hawks, en la que aparece con Humphrey Bogart. También aparece con Bogart en The Big Sleep (El sueño eterno) (1946), Dark Passage (La senda tenebrosa) (1947), y Key Largo (Cayo Largo) (1948).

1 nominacion (1 Honorary Award)

1. Best Actress in a Supporting Role - The Mirror Has Two Faces (1996)
Perdió contra: Juliette Binoche -The English Patient (1996)


10. Irene Dunne


Irene Dunne
Irene Marie Dunn nació en Louisville, Kentucky. Fue una famosa actriz muy conocida en la década de los 30, siendo una de las actrices de comedia preferidas de aquella época. Sus papeles más recordados fueron el de Lucy Warriner en "La pícara puritana" (1937), y el de Martha Hanson en la obra de George Stevens "Nunca la olvidaré" (1948). Otros papeles destacados fueron el de Anna Leonowens en "Ana y el rey de Siam" (1946) y el de Lavinia (Vinnie) Day in "Vivir con papá" (1947). Además, ella presentó la canción "Smoke Gets in Your Eyes" en la película de 1935 interpretada por Fred Astaire y Ginger Rogers "Roberta", donde interpretaba a una Princesa Rusa. Se retiró en 1952 siendo una de las actrices de Hollywood con más éxito. Durante su carrera recibió cinco nominaciones a los Premios Óscar, aunque nunca ganó ninguno.

5 nominaciones

1. Best Actress in a Leading Role - I Remember Mama (1948)
Perdió contra: Jane Wyman - Johnny Belinda (1948)

2. Best Actress in a Leading Role - Love Affair (1939)
Perdió contra: Vivien Leigh - Gone with the Wind (1939)

3. Best Actress in a Leading Role - The Awful Truth (1937)
Perdió contra: Luise Rainer - The Good Earth (1937)

4. Best Actress in a Leading Role - Theodora Goes Wild (1936)
Perdió contra: Luise Rainer - The Great Ziegfeld (1936)

5. Best Actress in a Leading Role - Cimarron (1931)
Perdió contra: Marie Dressler - Min and Bill (1930)





martes, 16 de noviembre de 2010

50 AÑOS SIN CLARK GABLE... Y RHETT BUTLER


Hoy de cumplirán 50 años del fallecimiento del “Rey” de Hollywood, Clark Gable, un actor que aún hoy motiva innumerables notas, biografías e investigaciones. Fue el exponente masculino del cine hollywoodense de la época dorada, que se sentía cómodo tanto en el drama como en la comedia, admirado por miles de hombres y mujeres por su personalidad ganadora y magnetismo particular. A continuación ofreceremos una breve reseña de su vida y su carrera, a efectos de rendirle un merecido homenaje al “Número 1” del cine norteamericano.http://www.hollywoodclasico.com/index.php?id=20

Clark Gable

William Clark Gable nació el 1 de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio, y durante su adolescencia se inclinó al teatro amateur. A mediados de la década del ’20 se instaló en Hollywood, donde apareció en varias películas en papeles de extra, y fue Lionel Barrymore (a quien conocía de la época en que ambos compartieron escenarios teatrales realizando tours por el país) quien lo recomendó a un ejecutivo de la MGM, la que le ofreció un contrato por seis meses. Comenzó en pequeños papeles al lado de grandes intérpretes como Leslie Howard, Norma Shearer y Robert Montgomery, y causaron tan buena impresión en el público que el estudio enseguida le encomendó una serie de películas estelarizadas por las famosísima Joan Crawford, Norma Shearer y Jean Harlow. La Metro estaba necesitando un nuevo galán, ya que la llegada del cine sonoro había excluido a dos de sus mayores estrellas, John Gilbert y Ramon Novarro, y Gable era apuesto, recio y exitoso con el público femenino.

En el espacio de dos años se convirtió en uno de los actores mejores pagos de Hollywood, y con la asignación del papel protagónico en la película It Happened One Night (Lo que sucedió aquella noche, 1934), su ascendente carrera se vio catapultada a la fama, valiéndole a él y su co-protagonista, Claudette Colbert, sendos premios Oscar. De allí en más, Gable eligió cuidadosamente sus papeles, y en los siguientes años se lo vio brillar en taquilleras películas como Mutiny on the Bounty (Motín a bordo, 1935), (segunda nominación para el Oscar), San Francisco (San Francisco, 1936) y Saratoga (Saratoga, 1937) entre muchas otras, junto a intérpretes de primer nivel ya consagrados.


Y hacia 1939 llega a manos de Gable el papel de Rhett Butler en Gone With the Wind (Lo que el viento se llevó, 1939), una de las películas más taquilleras de la historia del cine y la que inmortalizó su nombre para siempre, habiéndole valido, además, su tercera nominación para el Oscar. La elección de Gable para el papel protagónico masculino fue una decisión exacta, y si bien no ganó el premio anhelado, ningún otro actor podría haber calzado mejor en el rol asignado. A partir de allí el estudio le ofreció películas de primer nivel con estrellas famosas, como Joan Crawford en Strange Cargo (Extraño cargamento, 1940), Spencer Tracy, Claudette Colbert y Hedy Lamarr en Boom Town (El fruto dorado, 1940), nuevamente Lamarr en Comrade X (El Camarada X, 1940), Rosalind Russell en They Met in Bombay (Aventura en Oriente, 1941) y Lana Turner en las comedias Honky Tonk (El gallardo aventurero, 1941) y Somewhere I’ll Find You (Reportaje sensacional, 1942), pero ninguna logró igualar el éxito alcanzado anteriormente.

Rhett Butler
En 1942 Gable se unió a la Armada durante la guerra, y sufrió una gran pérdida personal al fallecer trágicamente en un accidente aéreo Carole Lombard, su esposa de entonces. Al volver de la guerra sus rasgos se habían endurecido visiblemente, y también su temperamento. Inmediatamente, la Metro comenzó a ubicarlo en una serie de películas con las que Gable no estaba de acuerdo, y, aunque olvidables, funcionaban bastante bien en las taquillas, más que nada debido a la presencia del actor. Así, de las diez películas que finalmente hizo para el estudio, comenzando con Adventure (Aventura, 1945) y finalizando con Mogambo (Mogambo, 1953), solamente Command Decision (Sublime decisión, 1949) merece ser citada: se trata de un excelente drama acerca de un grupo de soldados comandados por un militar obstinado, que los envía a misiones suicidas.
Su paso a la 20th. Centruy Fox pareció traer vientos favorables para Gable, ya que realizó una serie de películas que fueron muy bien aceptadas, y aunque se lo notara cansado y avejentado, seguía siendo el “Rey”, mote que muy justamente le habían asignado. Después de obtener un suceso bastante considerable con Run Silent Run Deep (Colosos del mar, 1958) junto a Burt Lancaster, filmó algunas comedias intrascendentes, pero que lo emparejaban con estrellas muy populares de entonces, como Doris Day, Carroll Baker, Sophia Loren y Mamie Van Doren. Su última película fue The Misfits (Los inadaptados, 1960), junto a Marilyn Monroe y Montgomery Clift y dirigida por John Huston. Esta película, un moderno “western” que enfocaba más que nada el punto de vista humano de sus protagonistas, no alcanzó el éxito esperado, pero Gable ofreció una interpretación emocionante y póstuma, ya que murió antes de su estreno, de un ataque al corazón, el 16 de noviembre de 1960.

sábado, 13 de noviembre de 2010

ADDIO MR. MARSHALL: MUERE LUIS GARCIA BERLANGA

El cineasta y académico Luis García Berlanga Marti, Príncipe de Asturias de las Artes en 1986 y presidente honorífico de la Academia Española de Cine, ha fallecido en su casa de Madrid a la edad de 89 años.


Berlanga, uno de los grandes mitos del cine español por el trío de obras maestras formado por ¡Bienvenido, Mr. Marshall! (1952), Plácido (1961) y El verdugo (1963), nació en Valencia el 12 de junio de 1921 en el seno de una familia burguesa y era nieto de un gobernador de su ciudad e hijo de un diputado de la Unión Republicana (Frente Popular). Estudió Derecho y Filosofía y Letras, carreras que dejó para intervenir en los últimos meses de la Guerra Civil española en el bando republicano. Más tarde se enroló en la División Azul y, a su regreso de Rusia, se dedicó a la pintura y creó un cine club en su ciudad natal.


En 1947 ingresó en la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, futura Escuela Oficial de Cinematografía, y se diplomó como director en 1950. De sus primeros cortos destacan "Paseo por una guerra antigua" y "Tres cantos", ambos de 1948; "El circo" (1949) y "Se vende un tranvía" (1950), mientras que su debut en el largometraje fue con el film "Esa pareja feliz" (1951), codirigido con Juan Antonio Bardem.

El realizador, que también escribió guiones, debutó en solitario con su popular "¡Bienvenido, Mr. Marshall!" (1952), premiado en Cannes y con guión de Bardem, Berlanga y el dramaturgo Miguel Mihura, avales de lujo que nutrieron su cine con sátiras, farsas y humor negro, todo ello aderezado con una crítica esperpéntica sobre la realidad española de entonces.

En los años 50 rodó "Novio a la vista" (1953); "Calabuch" (1956) -Premio de la OCIC en Venecia-; y "Los jueves, milagro" (1957). Y abrió la década siguiente con dos de sus mejores aportaciones al cine español: "Plácido" (1961) y "El verdugo" (1963). La primera fue muy aplaudida por la crítica internacional y aspiró al Oscar de Hollywood como mejor película extranjera, mientras que "El Verdugo", con guión propio y de Rafael Azcona, tuvo también una excelente acogida y ganó en Venecia el Premio Humor Negro.

De su producción en los setenta cabe destacar "Tamaño natural" (1973) y su original denuncia de la corrupción del poder en "La escopeta nacional" (1977). En los ochenta, década en la que recibió el Premio Nacional de Cinematografía (1981) y la Medalla de Oro de Bellas Artes (1983), Berlanga volvió a representar de nuevo a España en los Oscar con "Patrimonio nacional" (1981), y estrenó "La vaquilla" (1985) y "Moros y cristianos" (1987).

En 1993 el largometraje "Todos a la cárcel" fue premiada con tres Goyas (película, director y sonido), y el propio Berlanga como mejor director para el Círculo de Escritores Cinematográficos. "París-Tombuctú" (1999) cerró esta década con el Premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (Fipresci) y un galardón del Festival Internacional de Mar de Plata.

El realizador valenciano, miembro de la Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1989, debutó en 1995 en la dirección escénica con la obra de Eduardo Escalante "Tres forasters de Madrid", estrenada en el madrileño Teatro Rialto.

Durante su vida profesional, que el propio Berlanga tildó de "libertaria e individualista", el cineasta hizo una brillante labor en pro del cine español, sobre todo durante su Presidencia de la Filmoteca Nacional (1979-1982), trabajo que remató en 1989 inaugurando la nueva sede de la Filmoteca en el restaurado Cine Doré.

El cineasta, presidente honorífico de la Academia Española de Cine, fue uno de los artífices de esta institución presentada oficialmente en 1986, y es Doctor "honoris causa" por las Universidades Complutense de Madrid (1989) y Politécnica de Valencia (1997).

Luis García Berlanga, retirado desde 2000 y sin ganas de que le "tienten", ha dicho que nunca ha revisado sus películas, excepto cuando le "obligan" en algún homenaje. Se casó en 1954 con María Jesús Manrique de Aragón, madre de sus cuatro hijos: José Luis, Jorge, Carlos y Fernando.


El 5 de junio de 2002, cuando se cumplía el 50 aniversario de "¡Bienvenido, Mr. Marshall!", moría de una enfermedad hepática su hijo Carlos (42 años), uno de los músicos imprescindibles del pop español en solitario y junto a grupos como KaKa de Luxe, Alaska y Los Pegamoides, y Alaska y Dinarama.

La última aparición pública de Berlanga fue el pasado 19 de mayo en el acto de inauguración de La Sala Berlanga, antiguo cine California, un espacio destinado a convertirse en un punto de referencia del cine español, iberoamericano y europeo independiente.

viernes, 12 de noviembre de 2010

LA FARAONA DEL 63



Elizabeth Taylor nació en 1932, en Hampstead, un distrito rico de Londres, Inglaterra.
Es la segunda hija de Francis Lenn Taylor, y de Sara Viola Warmbrodt, quienes eran americanos residentes en Inglaterra. Su padre era un comerciante de arte y su madre una ex actriz, cuyo nombre artístico era Sara Sothern, y quien se retiró del teatro cuando se casó con Francis Taylor, en 1926.  Su hermano mayor, Howard Taylor, nació en 1929.


Elizabeth nació tanto con nacionalidad inglesa como ciudadana americana, esto último a traves del principio de jus sanguinis, gracias a sus padres.
A sus tres años, Elizabeth comenzó a tomar clases de ballet con Vaccani. Poco después de comenzar la Segunda Guerra Mundial, sus padres decidieron retornar a Estados Unidos para evitar hostilidades. Su madre se llevó a los niños primero, mientras su padre permanecía en Londres para arreglar sus asuntos laborales. Se establecieron en Los Angeles, donde la familia de Sara, los Warmbrodts, estaban viviendo en aquel tiempo.
Los Taylors ascendieron posiciones dentro de la escala social local, incluso superando la que tenían en Londres. Algunos de los clientes de Francis eran estrellas de Hollywood, como Howard Duff, Vincent Price, James Mason y Greta Garbo.

Gracias a la galería de arte de su padre, la cual se volvió muy conocida gracias a contactos como Thelma Cazalet Keir y Hedda Hopper, eventualmente la pequeña Elizabeth fue propuesta para interpretar el papel de Bonnie Blue, en la aún no estrenada “Gone with the Wind”.  Sin embargo su padre se opondría a que su hija de 7 años entrara en la carrera de actriz a tan temprana edad.

Aun asi, esto no duraría mucho tiempo y finalmente, aunque no fue seleccionada para “Gone with the Wind”, logró firmar un contrato con el estudio Universal, por 100 dolares a la semana,  durante 6 meses.

Elizabeth apareció entonces en la película “There`s one born every minute” (1942), a sus 9 años. Menos de 6 meses después de que firmara con Universal, su contrato fue revisado por Edward Muhl, el jefe de producción del estudio, y debido a considerar que Taylor no podía cantar, bailar ni actuar, fue cancelado antes de la pequeña cumpliera 10 años, en 1942.
Taylor en Cleopatra
Sin embargo, en octubre de ese año, la Metro Goldwyn Mayer, le ofreció un nuevo contrato por 100 dolares  a la semana, por 3 meses, para aparecer en “La cadena invisible” (1943), en el papel de Priscilla. Esta última incluía a Roddy McDowall, con quien Elizabeth eventualmente se haría muy amiga.

Debido a su actuación en esta película, la MGM le firmó un contrato por siete años, pagándole 100 dolares por semana pero aumentándolo a intervalos regulares hasta alcanzar los 750 dolares por semana.
Su primera tarea bajo su nuevo contrato, fue un préstamo a la 20th Century Fox, para el papel de Helen Burrows, en una versión de “Jane Eyre” (1944), de la escritora Charlotte Bronte.  Durante este tiempo, regresó tambien a Inglaterra para aparecer en otra película de Roddy McDowall para MGM, llamada “Las rocas blancas de Dover” (1944).
Sin embargo, fue la persistente insistencia de Elizabeth para obtener el papel de Velvet Brown, en “Fuego de Juventud”, la que lograría lanzarla al estrellato a sus escasos 12 años.
Su rol de Velvet Brown, era el de una pequeña niña que entrenaba a su amado corcel para ganar el torneo Grand National. Esta película, que estaba protagonizada por Mickey Rooney y Angela Lansbury, se convirtió en un éxito impresionante y cambio la vida de Taylor para siempre.

Gracias a este filme, Elizabeth obtuvo un salario de 30000 dolares al año. Luego, para capitalizar el éxito de “National Velvet”, tuvo un nuevo personaje en una pelicula que inlcuia a otro animal como coestrella, “El coraje de Lassie” (1946). Nuevamente ésto le reportaría un aumento de salario a Taylor, al igual que un bono a su madre, alcanzando los 750 dolares por semana.
Sus personajes de Cynthia Bishop, en “Cynthia” (1947), Carol Pringle en “A date with Judy” (1948), y Susan Prackett, en “Julia Misbehaves” (1948), fueron todas una prueba del éxito que circundaba a esta joven actriz y su reputación de joven estrella. Fue por esto apodada “One Shot Liz”, lo que le aseguró un gran porvenir junto a la Metro.
Su interpretación de Amy, en el clásico americano “Mujercitas” (1949), probaría ser su último rol adolescente, teniendo el papel, ya adulto, de la Reina Maria, en “Conspiracion” (1949).

Cuando fue lanzada esta última película, fue aclamada por la audiencia, pero su posterior personaje de Melinda Grayton, quien se casaba en secreto con un espia comunista, interpretado por Robert Taylor, no sería tan bien recibido por el publico, aunque sí por los críticos, debido a que aún no era común verla en esos roles de adulta.

Su primera película con nuevo salario de 2000 dólares a la  semana, fue en “The big Hangover” (1950), un fracaso de taquilla y crítica y que no logró mostrar la nueva sensualidad de la actriz, ya lejos de su período adolescente.
Su primer éxito en esta etapa de su carrera, vendría con “El padre de la novia” (1950), junto a Spencer Tracy y Joan Bennett. Su secuela, “El padre es abuelo” (1951), no lograría destacarse para la crítica y tendría un éxito moderado para el público, y sería descripta como aburrida por el mismo coprotagonista de Elizabeth, Spencer Tracy.
A finales de 1949, había comenzado el rodaje del filme de George Stevens, “Un lugar en el sol” (1951). Hasta que fue estrenada, Taylor fue contratada para su interpretación de Angela Vickers, una chica rica malcriada que se interpone entre George Eastman, interpretado por Montgomery Clift, y su pobre y embarazada novia, Alice Tripp, personificada por Shelley Winters.

La pelicula se convertiría en punto de partida para la carrera de Elizabeth, y sería aclamada por los criticos como un clásico. Su reputacion como actriz, a partir de este filme, se mantendria en sus siguientes 50 años de carrera.
Aún a pesar de este destacado status que había adquirido, Taylor se encontraba insatisfecha con sus papeles y ofrecimientos, queriendo tener roles protagónicos en filmes de mayor envergadura como “The Barefoot Contessa” y “I`ll Cry Tomorrow”.
El estudio MGM seguía restringiendo aun su potencialidad, ligándola a personajes olvidables y vacíos como los interpretados en “Ivanhoe” (1952), “The girl who had everything” (1953) y “Beau Brummel” (1954).


Para este tiempo, Elizabeth estaba embarazada de su segundo esposo, Michael Wilding, y debió realizar mayores esfuerzos para poder rodar antes de que se notara su estado. Debió asimismo rechazar papeles como el del filme “Elephant Walk”, el que había sido pensado para ella.
Este último podria sin embargo, alcanzarlo más tarde, ya que la actriz contratada para su reemplazo sufriría un colapso nervioso deteniendo el rodaje, y permitiendo así que Elizabeth reclamara el papel luego del nacimiento de su hijo Michael Wilding Jr., en 1953.
Su siguiente desafio seria, “Rapsodia” (1954), otro drama tedioso, que probaria ser un fracaso. Su personaje en esta pelicula era el  de Louise Durant, una bella chica rica enamorada de un temperamental violinista (Vittorio Gassman).

En 1954, se estrenó “La última vez que vi Paris”, que tuvo una repercusión apenas superior a las anteriores, reuniendo a Elizabeth con Van Johnson, con quien había filmado “The Big Hangover”. Aunque con discreto éxito para la taquilla, Taylor aún esperaba encarnar papeles de mayor alcance.
Junto a Newman en La gata sobre el tejado de cinc
Taylor ganaría el premio Oscar por su performance en “Butterfield 8” (1960), el cual fue coprotagonizado por su tercer esposo Eddie Fisher, y luego por “Quien teme a Virginia Woolf”, junto a Richard Burton y Sandy Dennis.
Sería nominada por “Raintree County”  (1957), “La gata sobre el tejado de Zinc” (1958) con Paul Newman, y “De repente el último verano” (1959) con Katharine Hepburn.
En 1963, se convirtió en la estrella mejor pagada hasta ese tiempo, cuando aceptó una suma exorbitante de 1 millón de dolares por su papel de “Cleopatra”, para la 20th Century Fox. Sería durante el rodaje de esta pelicula que conocería y trabajaría junto a Richard Burton por primera vez, quien interpretaba aquí el rol de Marco Antonio.
Taylor ha aparecido en varias oportunidades en televisión, incluyendo la pelicula televisiva de 1973, “Divorce His, Divorce Hers” junto a su esposo Richard Burton. En 1985, tuvo el rol de la chismosa columnista Louella Parsons, en “Malice in Wanderland”, junto a Jane Alexander, quien tenía el papel de Hedda Hopper, y también se la vio en la miniserie, “North and South”. En el 2001, personificó a una agente en “These Old Broads”.
Ha sido parte de varias series televisivas con participaciones como estrella invitada, incluyendo telenovelas como “General Hospital” y “All my Children” e incluso la animada “The Simpsons”.
Con Richard Burton en Cleopatra
Elizabeth ha actuado también en teatro, haciendo su debut en Broadway y West End, en 1982 con el revival de “The Little Foxes”. Luego estuvo en una producción de Noel Coward y su obra, “Private Lives” (1983), en la que compartió escenario con Richard Burton.

En noviembre del 2004, Elizabeth anunció que había sido diagnosticada de insuficiencia cardiaca congestiva. Hasta entonces había superado lesiones en su columna, e incluso un tumor cerebral y cáncer de piel. Debido a esta condición particular de salud delicada es que hoy en día se encuentra mayoritariamente recluída en su casa, debiendo algunas veces, no asistir a participaciones previamente concertadas en diversos programas o eventos.
En diciembre del 2007, luego de varias especulaciones acerca de su estado de salud, Elizabeth, quien cumplió 70 años en ese año, fue galardonada con una representación en el Hall de la Fama de California, nombrada por el Gobernador Arnold Schwarzenegger y su esposa Maria Shriver.

Este mismo año, participó de la obra “Love Letters” junto a James Earl Jones, para recaudar un millón de dolares para su fundación de Lucha contra el SIDA.


En su vida personal, Elizabeth estuvo casada ocho veces y tuvo siete maridos. Estos fueron Conrad Nicky Hilton, Michael Wilding, Michael Todd, de quien enviudó, Eddie Fisher, Richard Burton con quien se casó y divorció dos veces, John Warner y Larry Fortensky, de quien se divorció en 1996.
En cuanto a sus hijos, Elizabeth tuvo dos varones, Michael Wilding y Christopher Wilding, y una hija, Elizabeth Frances Todd. Asimismo, en 1964 adopto a una niña, que luego fue adoptada por Richard Burton, cuyo nombre es Maria Burton.En el 2000, fue nombrada Dama del Imperio Britanico por la Reina Isabel II.
Elizabeth es conocida por su adoración por la joyería y es dueña de una amplia selección de piezas, muchas de gran renombre, y todas plasmadas en su libro “My love affair with Jewelry”, lanzado en el 2002.
Elizabeth Taylor
Asimismo, en el 2005, sse asoció con Jack y Monty Abramov de Mirabelle Luxury Concepts, para crear la Casa de Joyeria de Taylor. Además  lanzó tres perfumes: “Passion”, “White Diamonds” y “Black Pearls”, los cuales le han reportado inmensas ganancias hasta el día de hoy.


En otro plano más profundo, Taylor ha dedicado mucho tiempo a realizar obras de caridad juntando fondos para causas relativas al SIDA. Contribuyó a crear la American Foundation for AIDS Research, luego de la muerte de su amigo Rock Hudson. También creó su propia fundación, Elizabeth Taylor Aids Foundation (ETAF).


Taylor recibiendo el premio principe de Asurias a la Concordia 


Elizabeth es miembro del movimiento de fe Kabbalah y es parte del Kabbalah Centre.












Fuente: http://www.biografias.es/famosos/elizabeth-taylor.html
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